BrasilMúsica de Brasil La Música de Brasil refleja la diversa cultura de la nación brasileña. Algunos de los géneros musicales populares originarios de Brasil más conocidos son el Choro, la Samba, la Bossa Nova y la Música Popular Brasileña. Como chores destacan Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Waldir Azevedo y Altamiro Carrilho. Ejemplos de sambistas son Cartola y Noel Rosa. De la Bossa Nova podemos destacar los potos Tom Jobim, Viníccius de Moraes y João Gilberto. Pero Brasil ha tenido también un papel destacado en la tradición clásica. Se considera que el primer gran compositor brasileño fue José Maurício Nunes Garcia, que vivió la transicción entre el Brasil Colonial para el Brasil Imperial, siendo facilmente inserido en el período Clásico. Durante el Romanticismo, el nombre más destacado fue Antônio Carlos Gomes, compositor de óperas, entre ellas "Il Guarany", su ópera más famosa. Todavía, solamente en el siglo XX la música clásica brasileña adquirió sus características más marcantes. Dos tendencias pueden ser observadas:
Actualmente, hay en la música clásica brasileña elementos modernistas y tradicionalistas (neo-tonalismo). Ejemplos de compositores de esta fase son: Amaral Vieira, Osvaldo Lacerda, Ronaldo Miranda y Edson Zampronha. Géneros Musicales Típicos Brasileños: Brega: Brega es un género musical popular brasileño. El término, originalmente considerado de carácter peyorativo y discriminatorio, fue siendo incorporado y asumido, perdiendo gradualmente con el tiempo este significado. Históricamente, los mayores cantantes del legítimo género brega están en el nordeste brasileño, siendo el pernambucano Reginaldo Rossi y el cearense Falcão dos de sus mayores representantes en la actualidad; el último sigue una línea de brega humorístico. Eventualmente, aún se confunde el brega con otros ritmos que poseen en común con él la característica del romanticismo excesivo, como el pagode que, sin embargo, no conserva las características propias del auténtico brega. Choro: El choro (en portugués, lloro o llanto), popularmente llamado chorinho, es un género musical, una música popular e instrumental brasileña, con más de 130 años de existencia. Los conjuntos que lo ejecutan son llamados regionais (regionales), y los músicos, compositores o instrumentistas, son llamados chorões. El choro es considerado la primera música popular urbana típica de Brasil, y su ejecución resulta ser muy difícil.
A pesar del nombre, el ritmo es generalmente agitado y alegre, caracterizado por el virtuosismo y la improvisación de los participantes, que precisan tener estudio y técnica y pleno dominio de su instrumento.
El conjunto regional está generalmente formado por uno o más instrumentos solistas, como la flauta o la mandolina, que ejecutan la melodía, junto al cavaquinho (un instrumento específico de la música portuguesa) que hace el centro del ritmo, y una o más guitarras (entre las que destaca por su singularidad la de siete cuerdas), además del pandeiro como marcador de ritmo.
Como forma musical surgió probablemente a mediados de 1870, en Río de Janeiro, y en ese inicio era sólo considerada una forma autóctona de tocar ritmos extranjeros, que eran populares en aquel tiempo, como el vals y el chotis europeos, y principalmente polca, o los africanos, como el lundu.
El flautista Joaquim Calado es considerado uno de los creadores del Choro, o por lo menos uno de sus principales colaboradores en la determinación del género, cuando incorporó el solo de flauta, dos guitarras y un cavaquinho. Se improvisaba libremente en torno a la melodía, lo que es una característica del choro moderno. El choro recibió una fuerte influencia de los ritmos de las danzas, que en un principio que eran solamente interpretadas de manera distinta, tardando algunas décadas hasta ser considerado un género musical por derecho propio.
Algunos de los chorões (o intérpretes de choros) más conocidos son Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth y Pixinguinha. Piezas muy conocidas son “Tico-Tico no Fubá” de Zequinha de Abreu, “Brasileirinho” de Waldir Azevedo, “Noites Cariocas” de Jacob do Bandolim y especialmente “Carinhoso” de Pixinguinha.
Entre las obras del compositor de música docta Heitor Villa-Lobos el ciclo de los choros es considerada la más significativa.
Origen del término
Existe controversia entre los investigadores sobre el origen de la palabra “choro”, puesto que puede significar varias cosas. · Choro puede derivar de la manera "chorosa" (en portugués, llorosa) de tocarse la música extranjera al final del siglo XIX: quienes la escuchaban y apreciaban la llamaban "música de hacer llorar". La agrupación que lo interpretaba pasó a ser conocida como tal, por ejemplo: “Choro do Calado”. · El término puede también derivar de “xolo”, un tipo de baile que reunía a los esclavos de las haciendas, expresión que por confusión con su parónimo portugués pasó a ser conocida como "xoro", escribiéndose en las ciudades con "ch": choro. · Otros defienden que su origen se debe a la sensación de melancolía transmitida por las "baixarias" de la guitarra de siete cuerdas (las "baixarias" son unos típicos fraseos de contracanto realizados con la séptima cuerda de la guitarra). Historia del choro
Siglo XIX
El flautista Joaquim Calado, uno de los creadores del choro.
La joven Chiquinha Gonzaga en
Anacleto de Medeiros.
Ernesto Nazareth. La historia del Choro probablemente comienza en 1808, año en que la Familia Real portuguesa llegó a Brasil. En 1815 la ciudad de Río de Janeiro fue promulgada capital del Reino Unido de Portugal, Brasil y Algarve. Pronto comenzó una reforma urbana y cultural, y se crearon cargos públicos. Con la corte portuguesa llegaron también instrumentos de origen europeo, como el piano, el clarinete, la guitarra, el saxofón, la mandolina o el cavaquinho, así como danzas de salón europeas, como el vals, la quadrille, la mazurca, la modinha, el minueto, el chotis y principalmente la polca, que se pusieron de moda en los bailes de la época. La polca fue presentada en julio de 1845. La reforma urbana, los instrumentos y las músicas extranjeras, junto a la abolición del tráfico de esclavos en Brasil en 1850, pueden ser considerados como el caldo de cultivo del choro, pues posibilitaron la emergencia de una nueva clase social, la clase media, compuesta por funcionarios públicos, instrumentistas de bandas militares y pequeños comerciantes, generalmente de origen negro, en los suburbios de Río de Janeiro. Esas personas, sin mucho compromiso, pasarán a formar conjuntos para tocar “de oído” esas músicas, que junto con algunos ritmos africanos ya enraizados en la cultura brasileña, como la batuca o el lundu, serán tocados de manera abrasileirada (a la manera brasileña) por los músicos que fueron entonces bautizados como chorões. Joaquim Antônio da Silva CaladoSi bien no se puede fijar una fecha o una pieza concreta para señalar con exactitud el surgimiento de un género musical, pues se trata de un proceso lento y continuo, de entre todos los músicos destacó el flautista Joaquim Antônio da Silva Calado y su grupo, surgido en 1870, que se conoció como "O Choro de Calado". Este flautista era profesor de la cátedra de flauta del Conservatorio Imperial, por tanto tenía conocimientos musicales profundos, y se codeaba con grandes intérpretes de la época, que tocaban por simple placer. El grupo de Calado lo integraban dos guitarras, un cavaquinho y el mismo con su flauta, que hacía de instrumento solista. Puesto que las flautas eran de ébano esta combinación de instrumentos se llamaba “pau-e-corda” (en portugués, palo y cuerda). En el conjunto de Calado los instrumentistas de cuerda gozaban de plena libertad para ejecutar improvisaciones y acompañamientos armónicos, o complejas modulaciones, con objeto de "vencar" a los otros intérpretes. Es decir, fue desarrollado un nuevo diálogo entre solista y acompañantes, una característica del choro actual. Más tarde fueron apareciendo agrupaciones con esa misma combinación instrumental.
De esa manera, Joaquim Calado es considerado uno de los creadores del choro, o por lo menos uno de los principales responsables de su surgimiento.
La polca “Flor Amorosa”, compuesta por Calado y Catulo da Paixão Cearense en 1867, es tocada aún hoy día, y tiene características de choro moderno, y es por tanto considerada la primera composición del género. De ese conjunto formó parte Viriato Figueira, su alumno y amigo; y también su amiga, la maestra Chiquinha Gonzaga, la primera chorona, compositora y pianista del género. En 1897, Chiquinha compuso “Gaúcho” o “Corta-Jaca”, una gran contribución al repertorio del género. Otras composiciones destacadas fueron “Atraente” y “Lua Branca”.
El choro, en sus inicios, era considerado solamente una manera más emotiva o "llorosa" de interpretar la música popular, y por tanto recibió una fuerte influencia de las mismas, pero poco a poco la música grabada sobre las improvisaciones fue perdiendo las características de sus países de origen y los conjuntos proliferaron y se extendieron por todo Brasil. A fines del siglo XIX e inicios del siglo XX otros instrumentos de viento y cuerdas, como la mandolina, el clarinete, el oficleido o el flautín habían sido incorporados a las agrupaciones, y eran empleados como solistas. Las primeras composiciones choro con características propias fueron compuestas por Joaquim Calado, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros y Ernesto Nazareth, entre otros. Por tanto, el choro sólo fue considerado como género musical en la primera década del siglo XX.
Siglo XX
Los conjuntos de choro fueron muy solicitados en las grabaciones de discos de 78 revoluciones, que en 1902 comenzaban su andadura. El compositor Anacleto de Medeiros fue uno de los pioneros al participar en las primeras grabaciones del género y en uno de los primeros discos impresos en Brasil en 1902. Mezcló el xote y la polca con las sonoridades brasileñas. Como gran orquestador tradujo al lenguaje de las bandas la música del choro. El virtuoso de la flauta Patápio Silva, considerado el sucesor de Joaquim Calado, alcanzó fama por ser el primer flautista en hacer un registro fonográfico. El guitarrista João Pernambuco, autor de “Sons de Carrilhões”, trajo del sertón su forma típica de canción y enriqueció el género con elementos regionales, colaborando para que la guitarra dejara de ser un mero acompañamiento de la música popular. Ernesto Nazareth, músico de trayectoria erudita y ligado a la escuela europea de interpretación, compuso “Brejeiro” (1893), “Odeon” (1910) y “Apanhei-te Cavaquinho” (1914), que rompieron la frontera entre la música popular y la música docta, siendo vitales para la transformación del lenguaje del género. Pixinguinha, uno de los mayores compositores de música popular brasileña, que también era tenor, arreglista, saxofonista y flautista, contribuyó directamente a que el choro encontrara una forma musical definitiva. En 1919, Pixinguinha formó el conjunto Oito Batutas, formado por Pixinguinha a la flauta, João Pernambuco y Donga a la guitarra, entre otros músicos. Tuvo éxito entre la élite carioca, tocando maxixes y choros y utilizando instrumentos hasta entonces sólo conocidos en los suburbios cariocas. Cuando compone “Carinhoso”, entre 1916 y 1917, y “Lamentos” en 1928, dos de los choros más famosos, Pixinguinha es criticado y esas composiciones son consideradas una inaceptable influencia del jazz. Pero en realidad eran demasiado avanzadas para la época. De hecho, “Carinhoso” no fue considerado en su momento un choro, si no una polca. Otras composiciones, entre los centenares de obras que produjo, son “Rosa”, “Vou vivendo”, “Lamentos”, “1X0”, “Naquele tempo” y “Sofres porque Queres”.
Zequinha de Abreu.
Heitor Villa-LobosEn la década de 1920 el maestro Heitor Villa-Lobos compuso una serie de 16 obras dedicadas al choro, mostrando la riqueza musical del género haciéndose presente en la música docta. El nombre de estas composiciones es siempre en plural (choros, y no choro).
La serie se compone de 14 choros para diversas formaciones, un choros Bis y una Introdução aos Choros (Introducción a los choros). El Choros nº 1 fue compuesto para guitarra solista. También hay choros para música de cámara y orquesta. El Choros nº 13 fue compuesto para dos orquestas y el nº 14 para orquesta, grupo coral y banda. La composición más conocida y ejecutada es el Choros nº 10 para coro y orquesta, que incluye el tema "Rasga o Coração" ("Rompe el corazón") de Catulo da Paixão Cearense. Debido a su complejidad y a la ambición de los temas regionales utilizados por el compositor esta serie es considerada por muchos como su obra más significativa.
También a partir de la década de 1920, impulsado por las casas grabadoras de discos y por la llegada de la radio el choro tuvo un éxito nacional con el surgimiento de músicos como Luperce Miranda y el pianista Zequinha de Abreu, autor de Tico-Tico no Fubá, así como de grupos instrumentales que, por dedicarse a la música regional fueron llamados de regionais, como el Regional de Benedito Lacerda, que tuvo como como integrantes a Pixinguinha y a Altamiro Carrilho, o el Regional do Canhoto, en el que tocaron Altamiro y Carlos Poyares.
Luiz Americano
Un solista destacado, en los años 20 y 30, fue el clarinetista y saxofonista de sergipano Luiz Americano, que en 1937 integró el innovador Trio Carioca junto al pianista y maestro Radamés Gnattali.
A partir de 1930 los conjuntos regionales fueron la base de las incipientes estaciones de radio, debido a su versatilidad en acompañar, con facilidad y sin muchos ensayos los diversos estilos de música vocal que surgían.
Severino Araújo
Uno de los ejemplos de unión entre el choro y el jazz fue realizado por Severino Araújo, quien, en 1944, adaptó choros a la lengua de las Big Bands. Como maestro de la Orquestra Tabajara, Severino Araújo grabó varios choros de su autoría, como “Espinha de Bacalhau”. Ese ejemplo fue seguido por otras orquestas y compositores, como K-Ximbinho.
Waldir Azevedo
En 1947 Waldir Azevedo, el más popular artista del choro y virtuoso del cavaquinho, compone “Brasileirinho”, el mayor éxito de la historia del género, grabado por Carmen Miranda y, más tarde, por músicos de todo el mundo. Waldir Azevedo fue un pionero que retiró al cavaquinho su papel de mero acompañante y lo colocó como instrumento solista, explorando de forma inédita las potencialidades del instrumento.
Jacob do BandolimJacob Pick Bittencourt (1923-1980) más conocido como Jacob do Bandolim, fue un virtuoso de su instrumento que promovía famosas ruedas de choro en su casa. Buena parte de su trayectoria musical la desarrolló en los medios de difusión masivos, primero en la radio, luego en la industria discográfica y finalmente en la televisión brasileña. Entre sus piezas más conocidas se encuentran “Doce de Coco”, de 1951 y “Noites Cariocas”, de 1957, hoy en día parte del repertorio clásico del género.
Jacob también promovió la recuperación de compositores antiguos y fundó el famoso conjunto Época de Ouro, con César Faria y Dino 7 Cordas.
El choro perdió gran parte de su popularidad debido al surgimiento de la Bossa Nova en las décadas 50 y 60, cuando fue considerado “pasado de moda”. Pero el género se mantuvo gracias a músicos como Paulinho da Viola y Arthur Moreira Lima.
Radamés GnattaliEn 1956 Radamés Gnattali compuso la suite "Retratos", homenajeando a cuatro compositores que consideraba fundamentales para la música brasileña, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros, Ernesto Nazareth y Pixinguinha.
Los años 70
Tuvo lugar una revitalización del género en esta década. En 1973 se unieron el conjunto Época de Ouro y Paulinho da Viola en el espectáculo Sarau. Se crearon los Clubes do Choro en Brasilia, Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, Goiânia y São Paulo, entre otras ciudades. Surgieron grupos jóvenes dedicados al género, como Galo Preto y Os Carioquinhas. El nuevo público y el nuevo interés por el género propició también el redescubrimiento de veteranos chorões, como Altamiro Carrilho, Copinha y Abel Ferreira, además de revelar nuevos talentos, como los mandolinistas Joel Nascimento y Déo Rian, y el guitarrista Rafael Rabello.
Hubo festivales de choros en 1977. La TV Bandeirantes, de São Paulo, promovió dos ediciones del Festival Nacional do Choro y la Secretaría de Cultura de Río de Janeiro promovió el Concurso de Conjuntos de Choro.
En 1979, con el disco de vinilo “Clássicos em Choro”, el flautista Altamiro Carrilho obtuvo éxito interpretando música docta a ritmo de choro. Altamiro es una leyenda viva del Choro, ha grabado más de 100 discos y compuesto más de 200 piezas.
También en 1979, con ocasión del evento titulado "Tributo a Jacob do Bandolim", en conmemoración del décimo aniversario del fallecimiento del mandolinista, se crea el grupo Camerata Carioca, formado por Radamés Gnatalli, Joel Nascimento y Raphael Rabello, entre otros músicos.
Década de los 80
La década de 1980 estuvo marcada por innumerables seminarios sobre el choro. Importantes instrumentistas se reunieron para discutir y enseñar el género al nuevo público. En 1986 se realizó el primer Seminário Brasileiro de Música Instrumental en la ciudad de Ouro Preto, una propuesta amplia que ocasionó un redescubrimiento del choro.
A partir de 1995 el género fue reforzado por grupos que se dedicaron a su divulgación y modernización, gracias al surgimiento del CD.
Siglo XXI
El choro entra en su tercer siglo de existencia, con un bagaje de más de 130 años, completamente afirmado como uno de los principales géneros musicales de Brasil. Millares de discos grabados y centenares de chorões. Es además un género musical rico y complejo, y también un fenómeno artístico, histórico y social. Sin embargo sigue haciendo falta su divulgación, pues si bien el Dia Nacional do Choro es conmemorado en otros países, como Francia o Japón, en Brasil la mayoría de la población desconoce la fecha.El conjunto regional y los instrumentos de choro El nombre regional probablemente surgió en la década de 1920 por dedicarse a la música regional. Los conjuntos regionais se componen de instrumentos de viento, de cuerdas y de percusión. Generalmente uno o más solistas, como la flauta, la mandolina, el cavaquinho e incluso el clarinete y el saxofón ejecutan la melodía, mientras el cavaquinho hace el papel de centralizador del ritmo y una o más guitarras de seis y siete cuerdas improvisan modulaciones como acompañamiento, armonizando y formando la base del conjunto con la llamada “baixaria” de sonidos graves. También hay intrumentos de percusión, como la pandereta. El piano y el trombón eventualmente forman parte de los regionais. Los chorões generalmente son compositores y también instrumentistas.
Día do Choro
El día 23 de abril se conmemora el Día Nacional do Choro. Se trata de un homenaje al nacimiento de Pixinguinha. La fecha se instituyó oficialmente el 4 de septiembre de 2000, cuando fue sancionada por ley, a iniciativa del mandolinista Hamilton de Holanda y sus alumnos de la Escola de Choro Raphael Rabello.
Curiosidades
¿Se llama Choro o chorinho? El nombre del género es choro, pero popularmente es llamado chorinho (su dimuinutivo en portugués). Muchos chorões y seguidores del género rechazan la última denominación, alegando que no se llama sambinha a la samba, o “jazzinho” al jazz. Otros consideran al chorinho como un aspecto del choro o un ambiente proporcionado por el género. Éxito internacional. El choro tiene éxito en países muy distanes de Brasil, como Japón, Francia o Estados Unidos. Ya en 1985, cuando la camerata carioca estuvo en Japón, constató la existencia de músicos que tocaban y estudiaban música brasileña, como el Choro Club (que fusiona el lenguaje del choro con las tendencias contemplativas de la música oriental, con un repertorio de composiciones propias y de Ernesto Nazareth y Jacob do Bandolim. Guitarra de siete cuerdas. En el choro, además de la guitarra de seis cuerdas, existe la de siete cuerdas, introducida en los regionais probablemente por el guitarrista Tute, cuando buscaba notas más graves para la llamada baixaria. ¿Es el choro un Jazz brasileño? Algunas personas dicen que el choro es una suerte de “jazz brasileiro”, pero resulta que, a pesar de de tener en común la improvisación, el choro surgió antes que el jazz, por tanto este último es el que debería llamarse “choro estadounidense”. Además, su origen es diferente. El jazz procede de la cultura negra estadounidense mientras que el choro tiene un origen europeo, principalmente de la polca. Una afirmación más correcta sería que el choro es a la música brasileña lo que el jazz a la estadounidense. ¿Tiene letra el choro? Una de las principales discusiones sobre el choro gira en torno a si debe o no tener letra. Esa polémica siempre fue discutida entre los chorões, que tienen opiniones diversas, ya que el género es puramente instrumental, si bien de vez en cuando algún compositor le pone letra. Un ejemplo famoso es el “Carinhoso” de Pixinguinha, que recibió letra de João de Barro y fue grabado con éxito por Orlando Silva. Las interpretaciones de Ademilde Fonseca la consagraron como la mayor intérprete de choro cantado, siendo considerada la Rainha do choro (Reina del Choro). Film “Tico-Tico no Fubá” En 1952, la Compañía Cinematográfica Vera Cruz produjo el film Tico-Tico no Fubá, basado en la vida de Zequinha de Abreu. El Film “Brasileirinho” En 2005 fue estrenado el film documental Brasileirinho, un tributo al género, del cineasta finlandés Mika Kaurismaki. Algunos músicos participantes fueron Yamandú Costa, Paulo Moura y Trio Madeira Brasil, entre otros. Samba: Las raíces de la samba se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza samba fue su predecesora. El nombre samba probablemente viene de esta centenaria música de estilo ritual. No debe confundirse la samba con la zamba, un estilo musical rioplatense totalmente distinto. La samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante el periodo de formación de este género. A pesar de las semejanzas entre la samba y el jazz, la samba no proviene del jazz y tiene diferencias notables en sus orígenes y línea de desarrollo. "Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida, es generalmente considerada la primera grabación de samba. Su grandioso éxito trajo al nuevo género fuera de las favelas. Quién creó la música es inseguro, pero probablemente fue trabajo del grupo alrededor de Tia Ciata, entre ellos Pixinguinha y João da Bahiana. En los años '30, un grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundó la primera escuela de samba, Deixa Falar, en el barrio de Estácio de Sá. Ellos transformaron el género musical para que encajara mejor en el desfile del carnaval. En esta década, la radio difundió la popularidad del género por todo el país, y con el apoyo del presidente Getúlio Vargas, se convirtió en la música oficial del Brasil. En los años siguientes, la samba tomó muchísimas direcciones. Desde la elegante samba-canción (samba-canção) hasta las orquestas de batería que acompañaban el desfile del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue la bossa nova, hecho en un principio por la gente de origen europeo de clase media. La bossa nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, entre otros, y llegó a Norteamérica con los álbumes de Gilberto junto al saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz, y la banda sonora de Jobim de la película Black Orpheus (Orfeo negro) en 1959. En la década de 1960, el Brasil se dividió políticamente con la llegada de un dictador militar, y los músicos izquierdistas de bossa nova empezaron a ponerle atención a la música hecha en las favelas. Muchos artistas populares fueron descubiertos en este período. Nombres como Cartola, Nelson Cavaquinho, Velha Guarda da Portela, Zé Keti, y Clementina de Jesus grabaron sus primeros álbumes. En los '70, la samba volvió a las ondas radiales con compositores y cantantes como Martinho da Vila, Clara Nunes y Beth Carvalho. En el inicio de la década de los '80, después de haber eclipsado su popularidad con la llegada de la música disco y el rock brasileño, la samba reapareció en el medio con un movimiento musical creado en los suburbios de Río de Janeiro. Era el pagode, una samba renovada, con nuevos instrumentos - como el banjo y el tantan - y un nuevo lenguaje que reflejaba el modo de hablar de mucha gente en ese entonces. Los artistas más populares fueron Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão y Jovelina Pérola Negra. Subgéneros Samba común: La samba se caracteriza por una sección rítmica que contiene el ritmo principal, usualmente un bombo de surdo o tantan. Otro elemento importante es el cavaquinho (un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, pariente de la guitarra y similar al ukelele o el cavaco). El cavaquinho es la conexión entre las secciones armónica y rítmica; su presencia usualmente distingue a la "samba real" de sus variaciones más suaves como la bossa nova (aunque algunas grabaciones de samba no emplean el cavaquinho, incluyendo muchas de Chico Buarque). El pandero es el instrumento de percusión más presente, cuyo ritmo es el más "completo". Un violão (guitarra acústica) normalmente está presente, y su presencia en la samba popularizó la variación de 7 cuerdas. Las letras de samba van desde canciones de amor y fútbol, hasta la política y otros temas. Este subgénero incluye a todos los demás. Artistas famosos que tocan "samba común" son Partido alto: Este nombre es usado para referirse a un tipo de samba que se caracteriza por un alto ritmo de percusión del pandero, usando la palma de la mano en el centro del instrumento. La armonía del partido alto siempre está en escala mayor. Usualmente es tocado por un grupo de instrumentos de percusión (surdo, pandero, tamborín) y acompañado por el cavaquinho y/o el violão. El partido alto es comúnmente dividido en dos partes, un coro y los versos. Los partideiros (músicos de partido alto), normalmente improvisan en los versos, y los improvisadores talentosos se han hecho fama y una carrera en la samba, como Zeca Pagodinho, quien no sólo es un gran sambista, sino uno de los mejores improvisadores. Artistas famosos del partido alto son Candeia, Jovelina Pérola Negra, Grupo Fundo de Quintal, Zeca Pagodinho, Leci Brandão, y Bezerra da Silva. Pagode: Esta es la forma más difundida de samba en el Brasil. Empezó como un movimiento en los años 80, cuando tres nuevos instrumentos fueron introducidos con el Grupo Fundo de Quintal y otros en Cacique de Ramos: el tantan - un surdo más dinámico-, un banjo pequeño (con las mismas dimensiones y tonalidad que el cavaquinho) y el repique de mão (sonido manual). Usualmente es cantado por un solista, acompañado del cavaquinho, el violão y al menos un pandero. El pagode es cantado en la mayoría de las fiestas y las reuniones informales, siendo universalmente encontrado en bares y cafés al aire libre. Las letras son juguetonas, usualmente sobre enganches amorosos o algún asunto divertido. Algunos artistas famosos de pagode son el Grupo Fundo de Quintal, Jeito Moleque, Sorriso Maroto, Jorge Aragão, Almir Guineto, Zeca Pagodinho, Seba Pastelero y Revelação. Neopagode: Esta es una manifestación más nueva del pagode, no muy bien vista por los sambistas más serios. Se considera que empezó a ganar fuerza en Bahia. Ocupa mucho letras de sexo y el modo de cantar cambió a un tono más sensual, aunque algunos artistas que ejecutan estas canciones a veces incluyen sambas más tradiciones en medio también. Se hizo muy popular entre las clases bajas y algo popular entre las clases medias urbanas. Famosos artistas de neopagode son É o Tchan, Terra Samba. Samba de breque: Un estilo de samba ahora extinto, que tenía como característica distintiva el incorporar partes habladas, usualmente diálogos. Los cantantes debían tener una excelente voz, además de la habilidad de hacer distintas voces. Las letras normalmente contaban historias y eran divertidas. Un artista famoso de este estilo es Moreira da Silva. Samba-canção: Estilo amistoso de la radio romántica y de ritmo más alentado, la samba-canção fue la contraparte brasileña principal ante los ritmos latinoamericanos populares como el Tango o el Bolero (ambos muy populares en Brasil hasta la década de los '60). Los temas iban de lo lírico a lo trágico. Artistas conocidos de este estilo son Ângela Maria, Nelson Gonçalves, Cauby Peixoto, Agnaldo Rayol. Samba-enredo: Una samba-enredo es una canción ejecutada por una escuela de samba, surgido en Río de Janeiro durante su la década de 1930. El término también se refiere al estilo particular de música samba de estas canciones. La samba-enredo es bien conocida internacionalmente debido al estatus de Río de Janeiro como gran destino turístico durante el carnaval, además de que muchos grupos de percusión en todo el mundo se han formado inspirados en este tipo de samba. Las sambas-enredo son grabados y reproducidos en la radio durante el período anterior al carnaval. Generalmente, son cantadas por vocalistas masculinos, acompañados del cavaquinho y una gran batería. produciendo una textura densa y compleja conocida como batucada. Consiste en enfatizar el segundo tiempo de los compases. Las baterías de Río de Janeiro han provisto inspiración a la formación de grupos percusionistas alrededor de todo el mundo, especialmente en los países occidentales. Estos grupos generalmente no ocupan ni vocalistas ni cavaquinhos, sino que se concentran en los grooves percusionistas y los numerosos break. Los grupos de este tipo actúan todo el año, no como en Brasil, donde la actividad se encuentra sólo en los meses que preceden el carnaval. Artistas famosos de este subgénero son Neguinho da Beija Flor, Jamelão y Martinho da Vila. Otras variantes: La bossa nova es esencialmente un tipo de samba, tocada con instrumentos de Jazz y cantada con voces suaves. La samba-reggae, es un nuevo tipo popular de samba de Bahia (de 2001 en adelante). La samba de roda es una danza ritual preservada en algunas ciudades de Bahia. El jongo es el equivalente de la samba de roda en Río de Janeiro. Bossa-nova La bossa nova es un género musical de origen brasileño que surgió a fines de los años cincuenta, impulsada por un grupo de estudiantes y músicos de clase media procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios de Rio de Janeiro situados junto a la playa. El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo" o "el camino nuevo ". Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación de Saudade de Bahia y Rosa Morena interpretada por Dorival Caymmi, de "Chega de Saudade" interpretada por João Gilberto y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinícius de Moraes, tres de los principales exponentes de este género en Brasil. Orígenes e historia No hay un consenso que reconozca la bossa-nova como un movimiento. Sin embargo, este estilo es reconocido por su importancia dentro de la historia de la música brasileña. Recogió los rasgos distintivos del samba callejero, estridente y ardiente, para quitarle decibelios, fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad. Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con irregularidades que tenían una relación directa con el espíritu de la música de posguerra estadounidense, entre ellas el jazz. Las letras y la música mantenían además una estrecha relación entre sí, aunque su característica principal es el ritmo, de raíz brasileña. La bossa-nova se hizo tremendamente popular en Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su éxito internacional estuvo limitado a pequeños periodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta. Gracias a Dorival Caymmi ( Saudade de Bahia; 1957)y al descubrimiento que figuras estadounidenses como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron de la bossa-nova, se produjo un importante intercambio cultural entre estos músicos y otros como el precursor Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto o Astrud Gilberto, generando así una nueva rama de la síncopa que se basó en los esquemas de la música brasileña. Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es "Chica de Ipanema" (Garota de Ipanema) de Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes, conocida a lo largo y ancho del mundo tanto en su versión original portuguesa como en su traducción al inglés. Origen del término “Bossa-Nova” significa “bossa nueva”. Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente, ya era común en Brasil, antes de la creación del género musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”, “instinto” o capacidad natural. Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes de la grabación de “Chega De Saudade”. En 1932, Noel Rosa utilizó la palabra en un samba… cuando expresó "O samba, a prontidão e outras bossas/São nossas coisas, são coisas nossas" (el samba, la determinación y otras bossas/son nuestras especialidades.)” En los finales de los años 50 y el principio de los años 60 solamente los jóvenes usaban el término Bossa Nova en su modismo para definir cualquier cosa nueva, o estilo nuevo, pero cuando la canción “Presidente Bossa Nova” del artista Juca Chaves se volvió un gran éxito en la radio, el término llegó a estar muy de moda y fue utilizado libremente por cada uno. Para la nueva manera de realizar el samba surgió él término originalmente llamado "Samba Bossa Nova" y luego, poco más tarde, solo "Bossa Nova". Nadie puede alegar saber con exactitud cual fue el origen del término “Bossa-Nova”. Lo más probable es que el término “BOSSA” fuera usado para referirse a cualquier nueva “tendencia” o a la tendencia de moda dentro de la cultura-costera artística de los últimos 50 años en Río de Janeiro. El término finalmente llegó a ser conocido y ampliamente utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música, a una fusión del samba y a jazz, cuando los creadores aplicaron a su nuevo estilo el término como “la nueva cosa”. Era probable usar el término “Bossa-Nova” entonces como referencia genérica a lo que hacían en la música en ese entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía. Sin embargo, el término se arraigó como la definición de su propia creación artística específica, que se conocía como “Bossa-Nova” o luego simplemente como “Bossa”, como lo conocemos hoy en día. Instrumentos La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica, cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa). En su forma más pura basta con la guitarra sin acompañamiento y la melodía cantada, como puede escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto. Incluso en los arreglos de jazz de más envergadura, que se hacían para grupos hay casi siempre una guitarra que lleva el ritmo principal. Aunque no sea tan importante como la guitarra, el piano es otro de los instrumentos que se usan en la bossa-nova; Jobim escribió para el mismo e interpretó en él la mayor parte de sus grabaciones. El piano ha servido también como puente estilístico entre la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos dos géneros se influencien el uno al otro. Un instrumento que marcó a este genero y le dio la particularidad de su sonido, fue el cavaquinho; es un instrumento portugués, en forma de guitarra pero mucho más pequeño, que antes de que se introdujera en la Bossa, se usaba sólo para acompañar en las canciones,en cambio, en este ritmo, se ve como protagonista muchas veces en innumerables solos. Los tambores y la percusión no se consideran una parte esencial, de la instrumentación en la bossa-nova (y de hecho los creadores tendían a prescindir de ellos), aun así hay un estilo de percusión definido en la bossa-nova, caracterizándose por corcheas continuas en los timbales (imitando el pandeiro del samba) y golpeando ligeramente el aro, generalmente en un ritmo de dos compases en el que en el primer compás se golpea a contratiempo y en el segundo a tiempo. Lista de artistas de bossa-nova · Javier Villegas · Sérgio Mendes · Antonio Carlos Jobim · Astrud Gilberto · João Gilberto · Nara Leão · Carlos Lyra · Roberto Menescal · Baden Powell · Marcos Valle · Walter Wanderley · Vinícius de Moraes · Ronaldo Boscoli · Elis Regina · Zimbo Trio · Tamba Trio · Johnny Alf · Leny Andrade · Peri Ribeiro · Silvia Telles · Os Cariocas · Oscar Castro Neves · Toquinho · Chico Buarque · Adriana Calcanhoto · Otros artistas asociados con la Bossa-Nova [editar] · Emma Bunton · Charlie Byrd · Eumir Deodato · Jorge Chaminé · Stan Getz · Ella Fitzgerald · Caetano Veloso · Djavan · Lisa Ono · Paulinho Moska · Bebel Gilberto · João Bosco · Emílio Santiago · Chico Buarque · Gilberto Gil · Gal Costa · German Bense · Roberto Carlos · José José · Esther Phillips · Thilo Martinho · Frank Sinatra · Lyambiko Música Popular Brasileña Música popular brasilera o Música popular brasileña(en portugués: música popular brasileira) es un género musical brasileño. Para identificarlo también se utiliza el acrónimo MPB. Apreciado principalmente por la clase media urbana de Brasil, la MPB surgió a partir de 1966, con la segunda generación de la Bossa Nova. Posteriormente, la MPB pasó a incorporar elementos de procedencias varias como el rock y el samba, de la música pop y del samba, teniendo artistas famosos como Maria Bethânia, Gilberto Gil, Chico Buarque y otros. A finales de la década de 1990 la mezcla de la música latina influenciada por el reggae y el samba. A pesar de incorporar varios géneros musicales, la MPB no debe ser confundida con la música de Brasil, ya que ésta abarca diversos géneros de la música nacional brasileña, como el baião, la bossa nova, el choro, el frevo, el samba rock, el forró, el samba-reggae y la própia MPB. Historia La MPB surgió exactamente en un momento de declive de la bossa nova, género renovador en la música brasilera surgida en la segunda mitad de la década de 1950. Influenciada por el jazz norteamericano, la bossa nova dio nuevas marcas al samba tradicional. Ya en la primera mitad de la década de 1960, la bossa nova pasaría por transformaciones y, a partir de una nueva generación de compositores, el movimiento llegaría a su fin ya en la segunda mitad de la década. Una canción que marcó el fin de la Bossa Nova y el inicio de aquello que se pasaría a llamar MPB fue Arrastão, de Vinícius de Moraes (uno de los precursores de la bossa nova) y Edu Lobo, entonces un músico novato que hacia parte de una onda de renovación del movimiento, marcado notablemente por un nacionalismo y una reaproximación con el samba tradicional, como el de Cartola. Arrastão fue defendida en 1965 por Elis Regina en el I Festival de Música Popular Brasileira. A partir de allí, se difundieron nuevos artistas, hijos de la bossa nova, como Geraldo Vandré, Taiguara, Edu Lobo y Chico Buarque de Hollanda, que se presentaban con frecuencia en festivales de música popular. Exitosos como artistas, ellos tenían poco o casi nada de bossa nova. Vencedoras del II Festival de Música Popular Brasileira, (São Paulo en 1966), Disparada, de Geraldo, y A Banda, de Chico, pueden ser consideradas marcos de esta ruptura y mutación de la Bossa para la MPB. Era el inicio de lo que se rotularía como MPB, un género difuso que abarcaría diversas tendencias de la música brasileña durante las siguientes décadas. La MPB, que comenzó con un perfil marcadamente nacionalista, fue cambiando e incorporando elementos de procedencias varias con mezclas de diversos géneros musicales. Esta diversidad es hasta bien recibida y es una de las cualidades de este género musical. Los primeros MPB tomaron prestados elementos de la bossa nova y, a menudo, se basaban en una poco velada crítica a la injusticia social y a la represión gubernamental, encontrándose en progresiva oposición a la escena política caracterizada por la dictadura militar, la concentración de la propiedad de la tierra, y el imperialismo. Una variación dentro de la MPB, efímera pero influyente, fue el movimiento artístico conocido como Tropicália. Algunos íconos de la música popular brasilera:
Lambada La Lambada es un baile sensual y provocativo de algunas zonas del Norte de Brasil. Conocida como "La Lambada" en portugués ("latigazo") y "coup de fouet" en francés. Es una mezcla de carimbó, y merengue (pero hay algunas influencias de otros ritmos). La lambada es la canción "Llorando se fue" del grupo boliviano Los Kjarkas, cantada en portugués, y que en la version brasileña fue un éxito musical llevado a la cima de las mediciones internacionales, a finales de los años 80, por el grupo "Kaoma". Ulises Hermosa, el verdadero autor de la canción, demandó, en 1989, ante distintas autoridades internacionales, al grupo Kaoma, recibiendo, por decision del jurado, todas las reparaciones y demás previsiones legales concernientes a los perjuicios causados por la version brasileña, que fue una version sin la autorización de su autor. "Llorando se fue" pertenece al genero "Caporal" de la musica floclorica de Bolivia. El video de la Lambada, que popularizó este baile en todo el mundo, se filmó en un chiringuito de la isla de Tagomago, en el noreste de la isla Ibiza. Orígenes Baile del Carimbó Desde el momento en que Brasil fue colonizado por los portugueses (entre los años 1500 hasta 1822) existía un baile común en el norte del país llamado Carimbó. Se trataba de un baile sensual con el que las mujeres provistas de una falda corta intentaban atraer a los hombres. La música se producía generalmente al ritmo de los tambores fabricados con troncos de madera. Mientras que el tiempo pasaba, el baile cambió. Tomó muchas influencias de la música caribeña debido a su proximidad geográfica. Esta fuerte relación generó también algunos ritmos nuevos como el Sirimbó y el Lari Lari, y también cambió para siempre la forma de bailar el Carimbó. La Lambada mundial Después de un tiempo, una cadena de radio local de Belém (ciudad capital de Pará) comenzó a llamar a estos nuevos tipos de música como "el fuerte ritmo" y "los ritmos de Lambada" (Lambada significa "golpe fuerte" en portugués). Este último nombre "Lambada" ganó un fuerte atractivo y comenzó a ser asociado como una nueva emergencia del estilo de baile antiguo. La lambada mundial goza de una etimología oscura. Los movimientos de "ola" se produce entre el baile de dos cuerpos frente a frente, y es uno de los muchos elementos que distinguen la Lambada de otros bailes latinos. El Video Clip también logró lanzar con mucho éxito en su momento a los dos niños que bailaban el famoso Video Clip, Washington "Chico" Oliveira (20 de febrero de 1977) y Roberta de Brito (27 de abril de 1979), quienes formaron el dueto CHICO Y ROBERTA, en el cual bailan y cantan, sacarón algunos albunes, logrando notoriedad, para luego disolverse. Estilo de baile en pareja En torno a 1983 las parejas comenzaron una vez más a bailar el baile del Carimbó, con un tipo de baile muy parecido al Merengue, pero con muchos giros. La música de la Lambada Aurino Quirino Gonçalves, o simplemente Pinduca es un músico brasileño. Es un cantante muy conocido en el Norte de Brasil (zonas de Amapá y Pará), donde hay una fuerte creencia de que él es el verdadero padre de la música de la Lambada. Pinduca es un músico y compositor principalmente de Carimbó. Es cantante y compositor de "El Rey del Carimbó" y creó ritmos, tales como: Sirimbó, Lári-Lári, Lambada y Lamgode. El músico y compositor del carimbó, Pinduca, lanzó en 1976, una canción llamada Lambada (Sambão), pista número 6 del LP No embalo de carimbó y sirimbó vol. 5. Fue la primera grabación de una canción bajo el título de Lambada en la historia de la música popular brasileña. También hay una versión del guitarrista y compositor Master Vieira, el inventor de la guitarrada, también considerado el creador de la música de la lambada. Su primer disco oficial, Lambada de Quebradas, fue grabado en 1976 pero se lanzó oficialmente dos años después, en 1978. En la década de los 80, la fusión entre la música metálica y electrónica del Caribe creó otra vez un nuevo estilo del Carimbó. Este nuevo esilo comenzó a reproducirse a través del Noreste de Brasil, aunque este nuevo Carimbó fue llamado Lambada. Lambada éxito de Kaoma: En 1988 un empresario francés, Olivier Lamotte d'Incamps, visitó Porto Seguro y descubrió locales de baile que mezclaban la lambada con otro tipo de melodías. Con mucha publicidad, Olivier Lamotte d'Incamps originó un nuevo baile de lambada, principalmente promovió una gira europea con Kaoma, una banda formada por un grupo de baile de Porto Seguro Touré Kunda. Él poseé los derechos musicales de más de 300 canciones de lambada. Regresó a Francia, y creó la banda de Kaoma. Ellos fueron quienes le dieron a la lambada un conocidísimo éxito mundial, llegando a países tan lejanos como Japón donde a día de hoy se sigue bailando. ______________________________________ Canciones brasileras que el Grupo de Música Popular Latinoamericana mantiene en su repertorio: Garota de Ipanema (Vinicius de Moraes / Tom Jobin) |
